जैविक अमूर्तता क्या है? - कला - 2025

कार्बनिक अमूर्त आलंकारिक कला का विरोध करने के अमूर्त के एक subtendencia बड़ा प्रवृत्ति किया गया है में बीसवीं सदी के मध्य। यह ऑब्जेक्ट का सहारा लिए बिना रूपों के इसके स्तरीकरण की विशेषता थी, इसे अपरिभाषित और / या अस्पष्ट रूपों के साथ बदल दिया।

अमूर्त के इन उप-रुझानों में से कुछ 1912 में क्यूबिस्टों की एक प्रदर्शनी द्वारा पेरिस में उत्पन्न हुए ज्यामितीय अमूर्त थे; अकार्बनिक अमूर्तता या अनौपचारिकता और जैविक अमूर्तता जो प्रकृति में मौजूद रूपों से उत्पन्न होती है, उन्हें अमूर्त और संश्लेषित करती है।

जैविक अमूर्त के बारे में अवधारणाओं

इसे बायोमॉर्फिक अमूर्त के रूप में भी जाना जाता है, क्योंकि इसकी मुख्य विशेषता यह है कि यह कला में अनुवाद करने के लिए प्राकृतिक रूप लेता है।

"सार" का शाब्दिक अर्थ है "गैर-लाक्षणिक।" इसमें विशिष्ट छवियों को विघटित करना और उन्हें इस अर्थ के साथ प्रतिस्थापित करना शामिल है कि लेखक खुद उन्हें देता है।

"ऑर्गेनिक" का अर्थ प्रकृति में पाए जाने वाले समान आकार से है, जैसे कि घुमावदार आकृतियाँ, गोल आकृतियाँ, या चिकनी ज्यामितीय आकृतियाँ, कुछ सीधी रेखाओं या अचानक कोणों के साथ।

ऑर्गेनिक एब्स्ट्रक्शन का सरलीकृत और अस्तित्ववादी धाराओं से गहरा संबंध था और 20 वीं शताब्दी के सभी कलात्मक अभिव्यक्तियों में प्रकट हुआ था।

हालांकि यह 1940 और 1950 के दशक के बीच अपनी चरम सीमा पर था, इस शैली की अभिव्यक्तियां सदी की शुरुआत से हैं, 1960 और 70 के दशक तक भी फैली हुई हैं।

कार्बनिक अमूर्ततावाद की विशेषताएं, जैसे कि चिकनी और अनवांटेड लाइनों की उपस्थिति, प्रकृति की प्रमुखता, अनियमित आकृतियों और मुक्त स्ट्रोक, हस्तांतरणीय सिद्धांत हैं, वास्तव में वे समय के किसी भी अन्य कलात्मक अभिव्यक्ति, जैसे कि साहित्य में स्थानांतरित किए गए थे। और थिएटर।

जोआन मिरो, जीन अर्प, इसामु नुगुची, हेनरी मूर और अन्य, इसके सबसे प्रासंगिक प्रतिपादक, चित्रकला और मूर्तिकला, दोनों में अनियमित मात्रा और घटता में प्रचुर मात्रा में काम करते हैं।

वास्तुकला में, यह कलात्मक अभिव्यक्ति 20 वीं शताब्दी के पहले छमाही में विकसित होना शुरू हुई। जैविक वास्तुकला मनुष्य और उसके प्राकृतिक वातावरण के बीच सामंजस्य की तलाश और अभिव्यक्ति करती है; इमारतों, फर्नीचर के साथ जगह को एकीकृत करने का प्रयास करता है और जो कुछ भी होता है वह एक इकाई में सब कुछ बदल देता है।

प्रकृति की नकल के रूप में कार्बनिकता की अवधारणा प्रागैतिहासिक काल से मौजूद है; हालांकि, इमारतों को परिभाषित करने के लिए अभिव्यक्ति "कार्बनिक वास्तुकला" का उपयोग पहली बार अमेरिकी वास्तुकार लुई सुलिवन (1856-1924) द्वारा किया गया था, और बाद में अपने साथी देशवासी और शिष्य, वास्तुकार फ्रैंक लॉयड राइट (1867-1959) द्वारा उठाए गए और पदोन्नत किए गए।)।

जैविक अमूर्तता के मुख्य प्रतिपादक

जोन मिरो (1893-1983)

वह एक कैटलन प्लास्टिक कलाकार थे जिन्होंने 1940 के दशक में न्यूयॉर्क में रहते हुए पूरे अमूर्तवादी आंदोलन को अवशोषित कर लिया था। उनकी निरंतर विशेषता अकादमिकता से भागने और कबूतर बनने से एक विशिष्ट वर्तमान में आने की थी।

अपने सभी सचित्र कार्यों में जैविक भावना दृढ़ता से धड़कती है। उनके अधिकांश कार्य कागज और मिट्टी के पात्र के साथ-साथ कांस्य उत्कीर्णन और मूर्तियों पर किए गए थे, जिनमें से "वुमन एंड बर्ड", मैड्रिड में रीना सोफिया संग्रहालय में स्थित "लूनर बर्ड" और "बॉटल वुमन" स्थित हैं। सांता क्रूज़ डे टेनेरिफ़ में Viera y Clavijo कल्चरल पार्क।

हेनरी मूर (1898-1986)

वह एक अंग्रेज मूर्तिकार थे जो संगमरमर और कांसे में बनी मानव आकृति के अपने अमूर्त कार्यों के लिए प्रसिद्ध थे।

महिला शरीर की आकृति को फिर से बनाने के लिए, जैसे कि "वेस्ट विंड" (1929), पोर्टलैंड के पत्थर में गढ़ी गई, चिचेन इट्ज़ा में चाक मूल की आकृति द्वारा निर्मित और मेडिसी चैपल में मिशेलो की मूर्तियां- और जर्मनी के स्टटगार्ट में एक सार्वजनिक स्थान पर स्थित कांस्य मूर्तिकला "डाई लेगेंडे"।

जीन अर्प (1886-1975)

वह एक ही काम में ऑटोमैटिज्म और ड्रीम तकनीकों को जोड़ती है, जिसमें जैविक रूपों की एक आइकनोग्राफी विकसित होती है जिसे "बायोमॉर्फिक मूर्तिकला" कहा जाता है, जिसमें वह वास्तविकता के एक औपचारिक सिद्धांत के रूप में कार्बनिक का प्रतिनिधित्व करने की कोशिश करता है।

उनकी सबसे सुंदर मूर्तियों में से एक "पादरी डी नब्स" है और यह वेनेज़ुएला के यूनिवर्सिटी ऑफ काराकास के खुले स्थानों में प्रदर्शित किया जाता है।

इसामु नोगुची (1904-1988)

वह एक जापानी-अमेरिकी मूर्तिकार और डिजाइनर थे। स्टेनलेस स्टील से बने उनके एक काम ने 1938 में न्यूयॉर्क के रॉकफेलर सेंटर में एसोसिएटेड प्रेस पैवेलियन को सजाने के लिए राष्ट्रीय प्रतियोगिता जीती।

बाद में उन्होंने खुली हवा के लिए काम किया, जिसे जापानी बागानों के सौंदर्य सिद्धांतों के अनुसार डिजाइन किया गया था, जहां प्रत्येक टुकड़े का स्थान परिदृश्य के अभिन्न संतुलन को प्राप्त करने में एक निर्णायक भूमिका निभाता है।

नोगुची के लिए, पेड़ उसके काम में और उसके जीवन में, इस बात के लिए बहुत महत्वपूर्ण थे कि उसके स्टूडियो में और जहां उसके वर्षों के अंत में उसने अपना संग्रहालय स्थापित किया, भवन का लेआउट पहले से मौजूद पेड़ों के स्थान से निर्धारित किया गया था।

जुआन सोरियानो (1920-2006)

वह एक मैक्सिकन प्लास्टिक कलाकार था जिसकी प्रतिभा कम उम्र से ही ज्ञात हो गई थी। 1950 के दशक में उन्होंने यूरोप की यात्रा की, जहाँ उनकी गीतात्मक शैली को समेकित किया गया।

उनके सबसे महत्वपूर्ण सचित्र कृतियों में "मारिया आसुन्सोलो एन रोजा" और "अपोलो वाई लास मुस" हैं, और मूर्तिकला विमान पर, "ला पालोमा" (मोनोर्रे, मेक्सिको में समकालीन कला के संग्रहालय में) जैसे पक्षी के आंकड़े हैं, " बत्तख ”और“ दो मुंह वाला पक्षी ”।

बारबरा हेपवर्थ (1903-1975)

वह एक ब्रिटिश प्लास्टिक कलाकार थी जो हेनरी मूर के काम से बहुत प्रभावित थी; उन्होंने पारंपरिक सामग्रियों के साथ एक अभिनव तरीके से काम किया, जिससे उनके प्राकृतिक गुणों को विशेष महत्व दिया गया।

इसकी पत्थर और लकड़ी की मूर्तियों को छेद या छेद के साथ चित्रित किया गया था, जैसे कि "आंतरिक रूप से स्फियर" और "विंग्ड चित्रा"।

फ्रैंक लॉयड राइट (1867-1959)

वह एक सिविल इंजीनियर थे, जिन्होंने लुईस हेनरी सुलिवन के स्टूडियो में ड्राफ्ट्समैन के रूप में शुरुआत की, जिनका उनके भविष्य के करियर पर निर्णायक प्रभाव था।

वह वह व्यक्ति था जिसने ऑर्गेनिक आर्किटेक्चर शब्द की शुरुआत की, जहां निर्माण को प्राकृतिक वातावरण से सीधे प्राप्त करना चाहिए। उनकी कुछ प्रतीकात्मक रचनाएँ न्यूयॉर्क (यूएसए) में गुगेनहाइम संग्रहालय और टोक्यो (जापान) में इंपीरियल होटल हैं।

कॉन्स्टेंटिन ब्रांकुसी (1876-1957)

वह एक रोमानियाई मूर्तिकार था जिसे आधुनिकतावाद का अग्रणी माना जाता था। उन्होंने फ्रांस, संयुक्त राज्य अमेरिका, रोमानिया और ऑस्ट्रेलिया में संग्रहालयों में वितरित काम किया है।

उसकी द्योतक जैविक कार्यों में से एक टैगु जिउ, रोमानिया, साथ ही "किस" और "स्लीपिंग विचार" में, "इन्फिनिटी के कॉलम" है।

संदर्भ

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