सार कला: इतिहास, विशेषताएँ, पेंटिंग - कला - 2025

अमूर्त कला किसी भी कला रूप है कि किसी भी वास्तविक प्रतिनिधित्व से अलग हो जाता है, ताकि प्राकृतिक करने के लिए एक पूरी तरह से अलग जगह बनाने के लिए है। अमूर्तता की यह भावना विभिन्न ज्यामितीय आकृतियों, साथ ही बिंदुओं, रेखाओं और शुद्ध रंगों के उपयोग के माध्यम से प्राप्त की जाती है।

एक कलात्मक धारा के रूप में अमूर्ततावाद को गैर-आलंकारिक कला के रूप में भी जाना जाता है; इसका मतलब है कि इस शैली का पारंपरिक प्रतिनिधि कला के साथ संपर्क का कोई मतलब नहीं है। इसके बावजूद, वास्तविकता से यह दूरी इससे इंकार नहीं करती है, बल्कि विरोध या विरोध का प्रस्ताव करती है।

द हॉर्समैन, वासिली कैंडिंस्की द्वारा, 1911

पारखी लोगों के अनुसार, अमूर्त कला को समझने के लिए यह जानना आवश्यक है कि कैसे अनुमान और अमूर्त के बीच अंतर करना है, क्योंकि वे पूरी तरह से विपरीत अवधारणाएं हैं। इस कारण से, जब इन कलात्मक धारणाओं को आत्मसात किया जाता है, तो एक सार काम और एक आलंकारिक कार्य के बीच अंतर करना आसान होता है।

अमूर्तन और अंजीर

अमूर्तता की घटना तब प्रकट होती है जब वास्तविकता में मौजूद किसी तत्व के साथ निर्मित तत्व को जोड़ना संभव नहीं होता है।

उदाहरण के लिए, यदि किसी पेड़ की छवि को लिया जाता है और उसे धुंधला या संशोधित किया जाता है, तो इस कलात्मक खेल को अमूर्तता नहीं माना जा सकता है, क्योंकि छवि अभी भी मूल आकृति का सार बचाती है; अर्थात् यह आलंकारिक है।

दूसरी ओर, जिन छवियों का कोई वास्तविक संदर्भ नहीं है, उन्हें अमूर्त के रूप में लिया जा सकता है। अमूर्त कला के क्षेत्र में ज्यामितीय अमूर्तता, औपचारिकता और अभिव्यक्तिवादी अमूर्तता जैसे कई पहलू हैं। हालांकि, वे सभी वास्तविक संदर्भ के अभाव के संदर्भ में संबंधित हैं।

सपने से संबंधित उन आंकड़ों को अमूर्त के रूप में नहीं माना जा सकता है, इस तथ्य के बावजूद कि सपने और बुरे सपने (उदाहरण के लिए, एक गेंडा) में असली छवि उत्पन्न हो सकती है, यह अभी भी उन संदर्भों को बनाए रखता है जो वास्तविकता में पाया जा सकता है (मामले में) गेंडा, यह एक सींग वाला घोड़ा है)।

लाक्षणिक दुनिया से दूरी

अमूर्ततावाद ने मौलिक रूप से कलात्मक दुनिया को बदल दिया, क्योंकि इस घटना से पहले, कला को इस तथ्य के बावजूद अनुमान के तहत रखा गया था कि 19 वीं और 20 वीं शताब्दियों के दौरान रूप ने अन्य आंदोलनों जैसे कि प्रभाववाद के माध्यम से धुंधला करना शुरू कर दिया था।, पोस्ट-इंप्रेशनिज़्म एंड क्यूबिज़्म।

उस समय से जब मनुष्य गुफाओं में चित्रित किया गया था, कला वास्तविकता का प्रतिनिधित्व करने के लिए एक खोज बनी रही।

20 वीं शताब्दी तक, कलाकार अपने परिवेश और संदर्भ से खुद को अलग करने में सक्षम नहीं था, इसलिए अमूर्त कला ने एक ऐतिहासिक क्षण के युग में एक उद्घाटन की अनुमति दी जो महान सामाजिक परिवर्तनों और सौंदर्य नवीकरण की आकांक्षा थी।

अमूर्त संगीत के साथ जोड़ा जा सकता है, क्योंकि ध्वनियों को आलंकारिक नहीं किया जा सकता है (संगीत नामकरण के बावजूद)। रंग और आकार भी सार हैं, संभावनाओं की एक विस्तृत श्रृंखला की पेशकश करते हैं जो जरूरी नहीं कि एक वास्तविक प्रेषक होना चाहिए।

उत्पत्ति और इतिहास

पहले के आंदोलनों जैसे कि क्यूबिज्म और फोविज्म में एब्सट्रैक्ट आर्ट की उत्पत्ति हुई है; हालांकि, विशेष रूप से एक पेंटिंग है जो वास्तविक वस्तुओं के प्रतिनिधित्व और रंगों की दृश्य धारणा के बीच अलगाव के लिए शुरुआती बिंदु के रूप में कार्य करती है।

यह काम चित्रकार जेम्स मैकनील व्हिस्लर का है और इसका शीर्षक नाइट इन ब्लैक एंड गोल्ड: द फॉलिंग रॉकेट है। 1874 से इस पेंटिंग में आप गहरे रंगों की एक श्रृंखला देख सकते हैं और सीधे मानव रूपों या वास्तुशिल्प निर्माणों को खोजना मुश्किल है।

प्रकाश और छाया के ब्रशस्ट्रोक की आसानी से सराहना की जाती है, साथ ही साथ सुनहरे बिंदु जो आतिशबाजी के प्रदर्शन को प्रकट करते हैं।

क्यूबिज़्म, एक्सप्रेशनिज़्म एंड फ़ॉविज़्म का प्रभाव

पाब्लो पिकासो और जॉर्जेस ब्राक के कार्यों की उपस्थिति के साथ, ज्यामितीय रूपों और फ्लैट रंगों के लिए एक शक्तिशाली प्रवेश की अनुमति दी गई थी। इसी तरह, पॉल सेज़ेन ने भी एक वैकल्पिक वास्तविकता के निर्माण में भाग लिया; यही है, उन्होंने आलंकारिक के पुनर्निर्माण पर काम किया।

बदले में, अभिव्यक्तिवादी कलाकारों ने इसे शोषण करने के लिए खुद पर ले लिया - यहां तक ​​कि एक भड़काऊ तरीके से - रंग पैलेट और आकृतियों की तीव्रता। उनके चित्रों को आलोचकों द्वारा पैशन के अतिप्रवाह के रूप में माना जाता है, जो महान सामाजिक नक्षत्र के समय से पहले प्रतिक्रियात्मक तरीके से प्रकट हुए थे।

इसी तरह, एडवर्ड मंक द्वारा द स्क्रीम जैसा काम 20 वीं सदी की अमूर्त या गैर-आलंकारिक कला के विकास के लिए आवश्यक है। जेम्स एंसर द्वारा ब्रसेल्स में द एंट्री ऑफ क्राइस्ट नामक पेंटिंग को भी ध्यान में रखा गया है।

अन्य महान अवंत-प्रतिपादक, जैसे कि पॉल गाउगिन, हेनरी मैटिस और जॉर्जेस सेरात, को उस व्यक्ति के लिए एक महत्वपूर्ण प्रेरणा माना जाता है जो बाद में अमूर्तवाद, वासिली कैंडिंस्की का सबसे बड़ा प्रतिनिधि बन गया।

इसका कारण यह है कि कच्चे रंग की भाषा, इसके विभिन्न ब्रशस्ट्रोक के साथ मिलकर, प्रसिद्ध अग्रदूत को दृढ़ता से प्रभावित किया।

बौडेलेयर से मलाराम तक: खुद को रेफरेंट से दूरी बनाने का प्रयास

लेखन की दुनिया में, अलग-अलग आंदोलनों को भी स्थापित करने और किसी भी वास्तविक संदर्भ को समाप्त करने के उद्देश्य से पक रहा था। अक्षरों के क्षेत्र में, यह अलगाव थोड़ा अधिक कठिन था, क्योंकि मानव मन शब्द हमेशा उनके संदर्भ द्वारा समर्थित होना चाहते हैं।

हालांकि, इन कवियों ने शब्द की ध्वनिक छवि के माध्यम से रूप की आंतरिकता के साथ लिंक प्राप्त किया, खुद को उस अवधारणा से अलग करते हुए जिसे यह संदर्भित करता है।

महान आधुनिक कवि चार्ल्स बौडेलेर इस विचार के बीज बोने के प्रभारी थे कि सभी इंद्रियां कुछ कलात्मक उत्तेजनाओं पर प्रतिक्रिया करती हैं, क्योंकि ये एक गहन सौंदर्य स्तर से जुड़े होते हैं जो मनुष्य के अवचेतन के भीतर रहते हैं।

दूसरे शब्दों में, सभी कलाओं में वास्तविक संवेदनाओं का जवाब देने की आवश्यकता के बिना आंख में, कान में और उस व्यक्ति के दिमाग में कुछ संवेदनाओं को जागृत करने की क्षमता होती है।

इसी तरह, स्टीफन मल्लमरे, आर्थर रिंबाउड और गुइल्यूम अपोलिनेयर जैसे प्रसिद्ध फ्रांसीसी कवियों ने शब्दों की ध्वनि के आनंद पर ध्यान केंद्रित करने के लिए खुद को संदर्भात्मक रूप से दूर करने की कोशिश की और वे पाठक पर ध्यान दिए बिना क्या कर सकते हैं। अवधारणा।

इसका मतलब है कि यह पाठक की मानसिक संरचना को संशोधित करने के बारे में है ताकि वह खुद को स्थापित मापदंडों से अलग कर ले और सिलेबल्स की ध्वनि के माध्यम से विभिन्न संवेदनाओं को संयोजित करने और बनाने की हिम्मत करे। इसलिए, यह लेखन के भीतर एक अमूर्तता है।

क्लाउड डेब्यू के म्यूजिकल वॉटरकलर्स

जैसा कि बाद में अमूर्त कला का संगीत पूर्वज था, महान संगीतकार क्लाउड डेबसी हैं, जिनके संगीत के टुकड़े प्रभाववादी और पोस्ट-प्रभाववादी चित्रकारों के ब्रशस्ट्रोक की नकल करते प्रतीत होते थे।

उसी तरह, यह संगीतकार भी प्रतीकवादी आंदोलन से जुड़ा हुआ है, क्योंकि उनके नोट्स एक मजबूत अलौकिक आवेश से बने थे, जिसके साथ एक उल्लेखनीय प्राच्य प्रभाव भी था।

इसका मतलब यह है कि, डेब्यू और एरिक सैटी जैसे संगीतकारों के लिए, रोजमर्रा की जिंदगी में देखी जाने वाली वस्तुएं केवल प्रतीक हैं जो बहुत गहरी वास्तविकता का जवाब देती हैं, जो रंग और आंदोलन के साथ ध्वनि के माध्यम से खुद को मनुष्य के लिए प्रकट करता है। ।

अमूर्त कला के लक्षण

सार को पकड़ना चाहता है

हालांकि इसके अलग-अलग पहलू हैं, अमूर्तवादी आंदोलन मुख्य रूप से वस्तुओं के आदिम सार की खोज की विशेषता है।

इसलिए, अमूर्त कला अपने शुद्ध स्तरों पर चेतना और बेहोशी की खोज को अपनी कलात्मक अभिव्यक्तियों में पकड़ने की कोशिश करती है।

आजादी

इसकी मुख्य विशेषताओं में से एक तकनीक और तत्वों के अनुप्रयोग की स्वतंत्रता है, और उन संसाधनों का महत्व है।

उदाहरण के लिए, यह स्पष्ट रूप से रंग क्षेत्र में लागू होता है: वास्तविक अवधारणा को संदर्भित करने की आवश्यकता के बिना रंगों की अपनी कलात्मक अभिव्यक्ति होती है।

वास्तविक रूपों की अनुपस्थिति

अमूर्ततावाद में वास्तविक रूपों का अभाव है; केवल ज्यामितीय आकृतियों का उपयोग किया जाता है, क्योंकि यह एक शैली है जो प्रपत्र की कुल सादगी की अपील करती है।

चित्र

-विसिली कैंडिंस्की

कई आलोचकों के लिए, अमूर्त कला वासिली कैंडिंस्की के कार्यों से शुरू होती है; हालांकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि 1 9 10 में कुछ फ्रेंच veined पत्थर प्रसिद्ध हो गए, जिन्हें अमूर्तन की शुरुआत के रूप में माना जा सकता है।

हालांकि, पारखी लोगों के अनुसार, कला के इतिहास में कैंडिंस्की का महत्व निर्विवाद है। इस चित्रकार के पास प्राच्य रक्त की विरासत थी, जिसका उपयोग उन्होंने अपने कार्यों के लिए किया।

इसके अलावा, एक ही कलाकार ने मॉस्को के पौराणिक कैथेड्रल से प्रेरित होने के लिए स्वीकार किया; उनके अनुसार, शहर की रंगीन वास्तुकला बाहरी रूप में कलात्मक झड़पों से बनी थी, जो एक सौहार्दपूर्ण सौंदर्य और सांस्कृतिक आंतरिकता को दर्शाती थी।

अपने कलात्मक काम के दौरान, कैंडिंस्की ने फार्म के प्रधान सार की खोज की वकालत की। इस कारण से, उनके काम को तीन शब्दों में संक्षेपित किया जा सकता है: रंग, धारणा और संवेदना।

नतीजतन, यह स्थापित किया जा सकता है कि अमूर्त कला एक रियायत है जो पूर्ण की एक रहस्यमय स्थिति को निर्धारित करती है; यह कहना है, यह एक सतत वैचारिक और दार्शनिक विकास के लिए प्रतिबद्ध है।

वासिली कैंडिंस्की द्वारा घुड़सवार

पहला अमूर्त जल रंग

इन तीन मान्यताओं के सौंदर्य की समग्रता को प्राप्त करने के लिए, लेखक ने बुनियादी प्लास्टिक तत्वों के उपयोग को बढ़ावा दिया, जैसे कि चित्रात्मक कार्य के भीतर बिंदु -प्रतिभूत तत्व-, रेखा, विमान और रंग।

इन तत्वों के बीच संघों और लिंक के माध्यम से, उन्होंने मानव आंख के लिए नई और अलग धारणाएं या संवेदनाएं प्राप्त कीं।

इसे ध्यान में रखते हुए, यह कहा जा सकता है कि अमूर्त कला का जन्म 1910 में कैंडिंस्की द्वारा पहले अमूर्त जल रंग के साथ हुआ था। इस पेंटिंग में आप वास्तविकताओं के सहयोग के बिना रंगीन रूपों, रेखाओं और प्लास्टिक मूल्यों को देख सकते हैं; दूसरे शब्दों में, यह गैर-आलंकारिक तत्वों से बना कार्य है।

इसके अलावा, अगर दर्शक इस काम को ध्यान से देखता है, तो वे महसूस कर सकते हैं कि पेंटिंग ज्यादातर प्राथमिक और माध्यमिक रंगों से बना है, मुख्य रूप से नीले और लाल। भूरे रंग के टन के ब्रशस्ट्रोक भी खड़े होते हैं, जो अन्य रंगों की आजीविका के साथ विपरीत होता है।

कैंडिंस्की अमूर्त जल रंग

-पेंट मोंड्रियन

यह प्रसिद्ध डच चित्रकार अमूर्तवाद में अपनी शुरुआत में विशेषज्ञ नहीं था, लेकिन पहले अन्य शैलियों जैसे कि प्रकृतिवाद और प्रतीकवाद पर काम किया। शैलियों की बहुलता के बावजूद, उनकी प्लास्टिक कला उनके दार्शनिक और आध्यात्मिक अध्ययनों से प्रभावित रही।

खोज में चीजों के महत्वपूर्ण सार को खोजने के लिए, मोंड्रियन ने अपने चित्रों में ब्रह्मांड की मूल संरचना को खोजने के लिए ज्यामितीय अमूर्तता के साथ एक विशेष तरीके से खेला।

इस कारण से, उनके कार्यों को मुख्य रूप से सफेद रंग से निरूपित किया जाता है, जिसे प्रकाश और सभी रंगों की कुल उपस्थिति के कारण "गैर-रंग" माना जाता है- और रंग काला, जिसे "नहीं-" भी माना जाता है रंग "प्रकाश की कुल अनुपस्थिति और सभी रंगों की उपस्थिति के कारण।

उनकी सबसे प्रसिद्ध रचनाओं में से एक, जो अमूर्त वास्तुकला से भी जुड़ी हुई है, वह पेंटिंग है, जिसे लाल, पीले, नीले और काले रंग की रचना कहा जाता है, जिसे उन्होंने 1921 में बनाया था।

इसमें आप विभिन्न आकारों और रंगों के आयताकार आंकड़ों की एक श्रृंखला देख सकते हैं; हालांकि, पैलेट काफी बुनियादी और प्राथमिक है: जैसा कि नाम से पता चलता है, यह रंग लाल, पीला, नीला और काला है, जो अभिव्यक्तिवादी मार्क रोथको के चित्रों की याद दिला सकता है।

पीट मोंड्रियन द्वारा लाल, पीले, नीले और काले रंग में रचना

मूर्ति

मूर्तिकला अमूर्तवादी आंदोलन के भीतर बहुत पीछे नहीं था; वास्तव में, इसने शैली के भीतर एक नवीनता पेश की: त्रि-आयामी। ऐसा इसलिए हुआ क्योंकि अमूर्त पेंटिंग में आंकड़े हमेशा सपाट होते हैं, जबकि मूर्तिकला में रूप की गहराई को बढ़ावा दिया जाता है।

-हेनरी मूर

इसके मुख्य प्रतिपादकों में से एक ब्रिटिश मूर्तिकार हेनरी मूर थे, जिनके एक ही कलाकार के अनुसार, मोनोक्रोम आकृतियों में गतिमानता और थोड़ी सी रोमांटिक और विक्टोरियन प्रेरणा बनी रहती है।

मूर ने भी महान पुनर्जागरण के कलाकारों से प्रभावित होने की बात स्वीकार की, जैसे कि गोट्टो, माइकल एंजेलो और जियोवन्नी पिसानो। इसके अलावा, लेखक पूर्व-कोलंबियन टोलटेक और माया की मूर्तियों के रूपों से चकित था।

इसके कई अमूर्त रूप मुख्य रूप से संगमरमर और कांस्य में उकेरे गए थे। अपने कैरियर की शुरुआत में, मूर ने प्रत्यक्ष नक्काशी लागू की; हालांकि, 1940 के दशक के दौरान मूर्तिकार ने प्लास्टर या मिट्टी के मोल्डिंग के साथ शुरुआत करने का फैसला किया, और पारंपरिक और प्राचीन "खोया मोम" मोल्डिंग भी लागू किया।

लहर की

उनकी मूर्तियां मुख्य रूपों के रूप में उपयोग की गई हैं, जो कि एक प्रकार की खाली जगह और रिक्त स्थान का उपयोग करती हैं, एक प्रेरणा, जो आलोचकों के अनुसार, उन्होंने अपनी मूल भूमि यॉर्कशायर के इंग्लिश काउंटी के परिदृश्य से हासिल की।

इस तथ्य के बावजूद कि अमूर्त पेंटिंग हेनरी मूर की रचनाओं में आलंकारिकता के उन्मूलन की वकालत करती है, एक व्यक्ति उन सार को देख सकता है जो मानव आकृति से पूरी तरह से अलग नहीं हैं। तुम भी महिला शरीर और मातृ आंकड़ों के प्रतिनिधित्व को भेद कर सकते हैं।

मूर के सबसे प्रसिद्ध कामों में से एक को थ्री वे पीस नंबर 2 कहा जाता है, जो टोरंटो सिटी हॉल प्लाजा में स्थित है और 1964 में बनाया गया था।

यह मोनोक्रोम मूर्तिकला टुकड़ा उन लोगों में से एक है जो सर्वोत्तम रूप से अमूर्तता की पूर्वधारणा को फिट करता है, क्योंकि इसका आकार सीधे किसी भी वास्तविक संदर्भ से नहीं जोड़ा जा सकता है।

थ्री वे पीस नंबर 2 (द आर्चर) (1964-65) टोरंटो सिटी हॉल प्लाजा

-रिचर्ड सेरा

अमूर्त मूर्तिकला का एक और महान प्रतिपादक अमेरिकी राष्ट्रीयता के प्रसिद्ध प्लास्टिक कलाकार रिचर्ड सेरा है। यह कलाकार, जो अभी भी जीवित है, आलोचकों द्वारा हमारे समय के सर्वश्रेष्ठ मूर्तिकारों में से एक माना जाता है।

सेरा एक न्यूनतम चरित्र वाला एक मूर्तिकार है जो प्लैटिनम स्टील के विशाल टुकड़ों के साथ काम करना पसंद करता है, जो उसके सौंदर्य के काम को सराहनीय बनाता है।

कलाकार का पहला चरण वह है जो सर्वोत्तम रूप से अमूर्तवादी आदर्शों से मेल खाता है, जिसके लिए उसने ज्यादातर पिघला हुआ सीसा सामग्री का उपयोग किया।

स्टील का काम करता है

वह बड़े आयताकार इस्पात ढांचे बनाने के लिए भी जाना जाता है। सबसे प्रसिद्ध में से एक तथाकथित झुका हुआ आर्क है, जो 3.5 मीटर ऊंचा है और इसमें एक विचारोत्तेजक और सूक्ष्म वक्रता है। इस मूर्तिकला को आज न्यूयॉर्क शहर में फेडरल प्लाजा में देखा जा सकता है।

कलात्मक आलोचकों द्वारा अत्यधिक प्रशंसित एक और सार मूर्तिकला साँप के रूप में जाना जाता है, जो स्टील की तीन परतों से बना होता है जिसमें वक्रता भी होती है (ज्यामितीय आकृतियों के भीतर घटता इस कलाकार की सबसे अधिक प्रतिनिधि विशेषताएं हैं)। काम गुगेनहाइम संग्रहालय बिलबाओ में स्थित है।

सेरा की सबसे अधिक मान्यता प्राप्त और सबसे अच्छी तरह से काम करने वाली रचनाओं को द मैटर ऑफ टाइम कहा जाता है, जो सात उल्लेखनीय बड़ी मूर्तियों से बनी है, जो कलाकार की पसंदीदा सामग्री: कॉर्टन स्टील से बनी है।

ये आंकड़े पूरी तरह गोल और तिरछी आकृतियों से बने होते हैं, जो प्रकृति के आकार और मानव निर्माण के समय के गोल और भ्रामक चरित्र की याद ताजा करते हैं।

झुका हुआ आर्क

आर्किटेक्चर

20 वीं शताब्दी के दौरान, सार और आदिम रूपों की खोज भी वास्तु अनुशासन के भीतर प्रकट हुई। इस कारण से, अमूर्त वास्तुकला में ज्यामितीय और सपाट आंकड़े हावी हैं, एक न्यूनतम शैली में भी।

इसी समय, इस सौंदर्य शैली से संबंधित वास्तुकला रूप के वास्तविक मूल्य, इसे अराजकता से अलग करने और रोजमर्रा की वास्तविकता के मनमाने तरीके से संपर्क करने की कोशिश करता है। इन तत्वों के भीतर, वास्तुशिल्प टुकड़ा प्रकृति से प्रेरित है लेकिन कलात्मक आत्मा की सरलता की खोज में तेजी से उभरता है।

वास्तुकला में, मूर्तिकला अमूर्त के सिद्धांतों को समायोजित करने के लिए आवश्यक है, मूर्तिकला की तरह, इसके लिए रूप के तीन आयामी अहसास की आवश्यकता होती है। इसके अलावा, बुनियादी ढाँचे को चलाने से पहले, कलाकार के लिए यह सवाल करना आवश्यक है कि क्या वह जिस रूप में उत्पादन करना चाहता है वह ठोस वास्तविकता में किया जा सकता है या नहीं।

आम तौर पर, अमूर्त वास्तुकला बड़ी आयताकार खिड़कियों से बना होता है, साथ ही सरल और ठोस चौकोर आकार भी।

-मिस वैन डेर रोहे

सबसे प्रसिद्ध ज्ञात वास्तुकारों में से एक जर्मन-अमेरिकी मेज़ वैन डेर रोहे हैं, जो इतिहास में आधुनिक वास्तुकला में सबसे महत्वपूर्ण कलाकारों में से एक के रूप में नीचे चले गए। वह उल्लेखनीय जर्मन बॉहॉस स्कूल के निदेशक थे; हालाँकि, उन्हें नाज़ीवाद के प्रवेश के कारण कार्यालय छोड़ना पड़ा।

इसकी वास्तुकला इसकी सादगी और स्पष्टता के लिए पहचानी जाती है, अमूर्तता के बहुत विशिष्ट लक्षण हैं। इसके अलावा, कलाकार की पसंदीदा सामग्री औद्योगिक स्टील और कांच की उल्लेखनीय चादरें थीं, जिसका उपयोग उन्होंने फ़ासी के अंदरूनी हिस्सों के लिए किया था।

उनकी सबसे प्रसिद्ध कृतियों में से एक बार्सिलोना में है और 1929 में पूरा होने वाले जर्मन मंडप के नाम पर है। इसकी वास्तुकला सरल ज्यामितीय आकृतियों से बनी है और अपने मामूली आकार के कारण ध्यान आकर्षित करती है। इसमें एक निशुल्क पौधा होता है और नियोप्लास्टिकवाद के उल्लेखनीय प्रभावों को बनाए रखता है।

जर्मन पाब्लो। विकिमीडिया कॉमन्स से तासीलिरोसमार द्वारा

-ग्रिट रिट्वेल्ड

गेरिट रिटवेल्ड एक प्रसिद्ध प्लास्टिक कलाकार थे जिनके अलग-अलग पहलू थे, क्योंकि वे न केवल वास्तुकला में बल्कि बढ़ईगीरी और डिजाइन में भी खड़े थे। उनके बर्तन डिजाइन, जैसे कि 1918 के रेड और ब्लू चेयर, समय के एक तत्व के रूप में आधुनिक और ज्यामितीय चरित्र को दर्शाते हैं।

उनका सबसे प्रसिद्ध वास्तुशिल्प काम और अमूर्त सौंदर्यशास्त्र के समान ही तथाकथित रिट्वेल्ड श्रोडर हाउस है, जिसे 1924 में बनाया गया था। आज, इस स्थान का उपयोग संग्रहालय के रूप में किया जाता है।

जैसा कि इसकी विशेषताओं के लिए, घर के आंतरिक और बाहरी दोनों पिछले सभी वास्तुशिल्प मापदंडों के साथ एक बदलाव का संकेत देते हैं; इसलिए काम का महत्व।

घर के अंदर कोई कमरे नहीं हैं, केवल एक विस्तृत खुला क्षेत्र है। बाहरी मोहरा कुछ अलग बनाने के लिए लाइनों और विमानों, जगह और रंग से बना है।

रिट्वेल्ड श्रोडेरहिस। Basvb द्वारा, विकिमीडिया कॉमन्स से

संगीत

जैसा कि पहले पैराग्राफ में उल्लेख किया गया है, यह याद रखना महत्वपूर्ण है कि संगीत ही अमूर्त है, क्योंकि यह लाक्षणिक नहीं हो सकता, भले ही इसमें अंकों के लिए प्रतीकात्मक नामकरण हो।

इसलिए, एक कलात्मक आंदोलन के रूप में अमूर्त संगीत मौजूद नहीं हो सकता। हालाँकि, संगीत की एक शैली है जिसे निरपेक्ष संगीत के नाम से जाना जाता है, जिसमें उन संगीतमय रचनाएँ शामिल हैं जिनमें कोई अतिरिक्त संगीत नहीं है; यही है, वे किसी भी पाठ से जुड़े नहीं हैं।

दूसरे शब्दों में, पूर्ण संगीत में कविता और गीतों का अभाव है, यह केवल एक महत्वपूर्ण रचना है; इसलिए, गीत संगीत से रहित सभी को इस शैली से संबंधित माना जा सकता है। कुछ उदाहरण सोनाटा में, सिम्फनी में, या एक संगीत कार्यक्रम में पाए जा सकते हैं।

20 वीं शताब्दी के दौरान कई संगीतकार थे जो अपने संगीत कलात्मक नवाचारों के लिए बाहर खड़े थे और जो अमूर्तता की शुरुआत के साथ मेल खाते थे। सबसे प्रमुख में इगोर स्ट्राविंस्की और मौरिस रवेल हैं।

-ऑर्ग स्ट्राविंस्की

स्ट्राविन्स्की एक रूसी राष्ट्रीय कंडक्टर और संगीतकार थे, जिन्हें 20 वीं शताब्दी के सर्वश्रेष्ठ संगीतकारों में से एक माना जाता है। जैसा कि वह 89 वर्ष का था, उसके पास विभिन्न संगीत पहलुओं का पता लगाने का अवसर था; हालाँकि, उनके सबसे अधिक पहचाने जाने वाले काम उनके पहले करियर के पहले वर्षों के दौरान किए गए थे।

उनकी सबसे प्रशंसित रचनाओं में से एक द फायरबर्ड कहलाती है, जिसका पहली बार 1910 में पेरिस में प्रीमियर हुआ था।

-मौरिस रावेल

क्लाउड डेब्यू की तरह, यह प्रसिद्ध फ्रांसीसी संगीतकार तथाकथित प्रभाववादी संगीत में खड़ा था, जो कि इसके प्राच्य प्रभावों और ध्वनियों के माध्यम से रंगों के निकासी द्वारा विशेषता है। रवेल ने अभिव्यक्तिवाद और नववादवाद के लक्षणों को भी बनाए रखा।

यह संगीतकार विभिन्न कार्यों के लिए प्रशंसित है, और उनके सबसे अधिक प्रदर्शन में से एक बोलेरो है, जिसका 1928 में पेरिस में प्रीमियर हुआ था; उस क्षण से इस रचना की सफलता बड़े पैमाने पर और सार्वभौमिक थी। उनका आर्केस्ट्रा आंदोलन गर्म स्पेनिश नृत्य से प्रेरित है, जो उस समय बहुत लोकप्रिय था।

संदर्भ

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